Historien om gammel egyptisk kunst

Egyptisk kunst har tryllebundet publikum i tusinder af år. Dens anonyme kunstnere påvirkede græske og romerske kunstnere, især i skabelsen af skulpturer og friser. Men i bund og grund er egyptisk kunst uapologetisk funktionel, skabt til eminent praktiske formål snarere end æstetisk nydelse.

Et egyptisk gravmaleri viste scener fra den afdødes liv på jorden, så hans ånd kunne huske det på sin rejse gennem efterlivet. Scener fra sivmarken hjælper en rejsende sjæl med at vide, hvordan man kommer derhen. En statue af en guddom greb selve gudens ånd. Rigt dekorerede amuletter beskyttede en mod forbandelser, mens rituelle figurer afværgede vrede spøgelser og hævngerrigespiritus.

Mens vi fortsat med rette beundrer deres kunstneriske vision og håndværk, så de gamle egyptere aldrig på deres arbejde på denne måde. En statue havde et specifikt formål. Et kosmetikskab og et håndspejl tjente et meget praktisk formål. Selv egyptisk keramik var simpelthen til at spise af, drikke af og opbevare.

Indholdsfortegnelse

Fakta om gammel egyptisk kunst

• Narmer-paletten er det tidligste eksempel på gammel egyptisk kunst. Den er omkring 5.000 år gammel og viser Narmers sejre udskåret i relief.
• Det 3. dynasti introducerede skulptur i det gamle Egypten
• I skulpturen kiggede folk altid fremad
• Scener i grave og på monumenter blev indskrevet i vandrette paneler kaldet registre.
• De fleste gamle egyptiske kunstværker er todimensionelle og mangler perspektiv.
• Farver til malerier og gobeliner blev malet af mineraler eller fremstillet af planter.
• Fra det 4. dynasti og fremefter er egyptiske grave dekoreret med levende vægmalerier, der viser hverdagslivet, herunder fugle, dyr og planter, der findes i det naturlige landskab.
• Mesterhåndværker skabte kong Tutankhamons fænomenale sarkofag, der var lavet af massivt guld
• Armana-perioden var det eneste tidspunkt i Egyptens lange historie, hvor kunsten forsøgte sig med en mere naturalistisk stil.
• Figurer i gammel egyptisk kunst blev malet uden følelser, da de gamle egyptere mente, at følelser var flygtige.

Ma'ats indflydelse på egyptisk kunst

Egypterne havde en idiosynkratisk sans for æstetisk skønhed. Egyptiske hieroglyffer kunne skrives fra højre mod venstre, fra venstre mod højre, op mod ned eller ned mod op, alt efter hvordan ens valg påvirkede det færdige værks charme.

Selvom alle kunstværker bør være smukke, kom den kreative motivation fra et praktisk mål: funktionalitet. Meget af den egyptiske kunsts dekorative appel stammer fra begrebet ma'at eller balance og harmoni og den betydning, de gamle egyptere tillagde symmetri.

Ma'at var ikke kun en universel konstant i hele det egyptiske samfund, men man mente også, at det udgjorde selve skabelsens stof, der blev overleveret, da guderne indførte orden i et kaotisk univers. Det resulterende koncept af dualitet, uanset om det tog form af gudernes gave af lys og mørke, dag og nat, mand og kvinde, blev styret af ma'at.

Hvert egyptisk palads, tempel, hjem og have, statue og maleri afspejlede balance og symmetri. Når en obelisk blev rejst, blev den altid rejst med en tvilling, og begge obelisker blev anset for at dele guddommelige refleksioner, kastet samtidigt i gudernes land.

Udviklingen af egyptisk kunst

Egyptisk kunst begynder med stentegninger og primitiv keramik fra den præ-dynastiske periode (ca. 6000-ca. 3150 f.v.t.). Den meget omtalte Narmer-palette illustrerer de fremskridt i kunstnerisk udtryk, der blev opnået i den tidlige dynastiske periode (ca. 3150-ca. 2613 f.v.t.). Narmer-paletten (ca. 3150 f.v.t.) er en dobbeltsidet ceremoniel siltstensplade med to tyrehoveder placeret øverst på hver side.Disse magtsymboler overser de indgraverede scener af kong Narmers forening af Øvre og Nedre Egypten. Kompositionens indviklede indgraverede figurer, der fortæller historien, viser symmetriens rolle i egyptisk kunst.

Arkitekten Imhoteps (ca. 2667-2600 f.v.t.) brug af detaljerede djed-symboler, lotusblomster og papyrusplanter udskåret i både højt og lavt relief på kong Djosers (ca. 2670 f.v.t.) trinpyramidekompleks illustrerer den egyptiske kunsts udvikling siden Narmer-paletten.

I løbet af Det Gamle Rige (ca. 2613-2181 f.v.t.) standardiserede den herskende elite i Memphis effektivt deres figurative kunstformer. Det Gamle Riges kunst oplevede endnu en blomstring takket være indflydelsen fra senere faraoer, som bestilte værker udført i Det Gamle Riges stil.

Efter at Det Gamle Rige blev afløst af Den Første Mellemperiode (2181 -2040 f.v.t.), fik kunstnerne fornyet ytringsfrihed og frihed til at give udtryk for individuelle og endda regionale visioner. Distriktsguvernører begyndte at bestille kunst, der gav genlyd i deres provins. Større lokal økonomisk velstand og indflydelse inspirerede lokale kunstnere til at skabe kunst i deres egen stil,selvom masseproduktionen af shabti-dukker som gravgaver ironisk nok udhulede den unikke stil, der fulgte med de tidligere håndlavede metoder.

Egyptisk kunsts højdepunkt

De fleste egyptologer peger i dag på Mellemste Rige (2040-1782 f.v.t.) som højdepunktet for egyptisk kunst og kultur. Opførelsen af det store tempel i Karnak og en forkærlighed for monumentale statuer tog fart i denne periode.

Nu erstattede socialrealismen Det Gamle Riges idealisme. Skildringer af medlemmer af Egyptens lavere klasser i malerier blev også hyppigere end tidligere. Efter en invasion af Hyksos-folket, der overvandt store områder af Delta-regionen, erstattede Egyptens Anden Mellemperiode (ca. 1782 - ca. 1570 f.v.t.) Mellemste Rige. Kunst fra Theben i denne periode bevarede Mellemste Rigesstilistiske træk.

Efter at Hyksos-folket blev fordrevet, opstod Det Nye Rige (ca. 1570-c.1069 f.v.t.), hvor nogle af de mest storslåede og berømte eksempler på egyptisk kunstnerisk kreativitet blev født. Dette er tiden for Tutankhamons gyldne dødsmaske og gravgaver og Nefertitis ikoniske buste.

Dette udbrud af kreativ ekspertise i Det Nye Rige blev til dels stimuleret af hittitternes avancerede metalbearbejdningsteknikker, som blev overført til produktionen af enestående våben og begravelsesgenstande.

Egyptens kunstneriske kreativitet blev også stimuleret af det egyptiske imperiums omfattende engagement med sine nabokulturer.

Efterhånden som Det Nye Riges landvindinger uundgåeligt svandt ind, forsøgte man i Tredje Mellemperiode (ca. 1069-525 f.v.t.) og derefter i Senperioden (525-332 f.v.t.) fortsat at fremme Det Nye Riges stilistiske kunstformer, samtidig med at man forsøgte at genvinde fortidens storhed ved at genoplive Det Gamle Riges kunstneriske former.

Egyptiske kunstformer og deres rige symbolik

På tværs af den majestætiske egyptiske historie var deres kunstformer lige så forskellige som deres inspirationskilder, de ressourcer, der blev brugt til at skabe dem, og kunstnerens mæceners evne til at betale for dem. Egyptens velhavende overklasse bestilte kunstfærdige smykker, kunstfærdigt dekorerede sværd- og knivskeder, indviklede buetasker, udsmykkede kosmetikæsker, krukker og håndspejle. EgyptiskGrave, møbler, vogne og selv deres haver var sprængfyldt med symbolik og dekoration. Hvert eneste design, motiv, billede og detalje kommunikerede noget til sin ejer.

Mænd vises normalt med rødlig hud, der repræsenterer deres traditionelle udendørs livsstil, mens en lysere nuance blev brugt til at vise kvinders hudfarver, da de tilbragte mere tid indendørs. Forskellige hudfarver var ikke et udtryk for lighed eller ulighed, men blot et forsøg på realisme.

Uanset om genstanden var en kosmetikæske eller et sværd, var den designet til at fortælle en historie til iagttageren. Selv en have fortalte en historie. I hjertet af de fleste haver var der en pool omgivet af blomster, planter og træer. En beskyttende mur omgav igen haven. Adgang til haven fra huset var via en portik med udsmykkede søjler. Modeller lavet af disse haver til at tjene som gravgaver illustrerer deder er lagt stor vægt på deres narrative design.

Vægmaleri

Maling blev blandet af naturligt forekommende mineraler. Sort kom fra kulstof, hvid fra gips, blå og grøn fra azurit og malakit og rød og gul fra jernoxider. De fintmalede mineraler blev blandet med pulpet organisk materiale til forskellige konsistenser og derefter blandet med et stof, muligvis æggehvider, for at gøre det muligt at hæfte på en overflade. Egyptisk maling har vist sig at være så holdbarat mange eksempler stadig er strålende levende efter mere end 4.000 år.

Mens væggene i paladser, hjem og haver for det meste blev dekoreret med flade, todimensionelle malerier, blev der brugt relieffer i templer, monumenter og grave. Egypterne brugte to former for relieffer: høje relieffer, hvor figurerne stod ud fra væggen, og lave relieffer, hvor de dekorative billeder var indskrevet i væggen.

Ved påføring af et relief blev væggens overflade først glattet ud med gips, som derefter blev slebet. Kunstnere brugte miniaturer af designet overlejret med gitterlinjer til at kortlægge deres arbejde. Dette gitter blev derefter overført til væggen. Kunstneren replikerede derefter billedet i de korrekte proportioner ved at bruge miniaturen som skabelon. Hver scene blev først skitseret og derefter skitseret med rød maling.Eventuelle rettelser blev foretaget med sort maling. Da disse var indarbejdet, blev scenen udskåret og til sidst malet.

Træ-, sten- og metalstatuer blev også malet i lyse farver. Stenarbejde dukkede først op i den tidlige dynastiske periode og blev forfinet i løbet af århundrederne. En billedhugger arbejdede ud fra en enkelt stenblok og brugte kun træhammer og kobbermejsler. Statuen blev derefter gnedet glat med en klud.

Træstatuer blev udskåret i sektioner, før de blev sat sammen med pinde eller lim. Overlevende statuer af træ er sjældne, men flere blev bevaret og viser fænomenale tekniske færdigheder.

Metalvarer

På grund af de omkostninger og den kompleksitet, der var forbundet med at støbe metal i oldtiden, var metalfigurer og personlige smykker små og støbt af bronze, kobber, guld og lejlighedsvis sølv.

Guld var vedvarende populært til skrinfigurer, der afbildede guderne, og især til personlig udsmykning i form af amuletter, brystholdere og armbånd, da egypterne troede, at deres guder havde gyldne skind. Disse figurer blev skabt enten ved støbning eller mere almindeligt ved at anbringe tynde plader af bearbejdet metal over en træramme.

Cloisonné-teknik

Kister, modelbåde, kosmetiske kister og legetøj blev fremstillet i Egypten ved hjælp af cloisonné-teknikken. I cloisonné-arbejde indlægges tynde metalstrimler først på genstandens overflade, før de brændes i en ovn. Dette binder dem sammen og skaber sektioner, som derefter normalt fyldes med juveler, halvædelstene eller malede scener.

Cloisonné blev også brugt til at lave pectoraler til egyptiske konger og til at udsmykke deres kroner og hovedbeklædninger sammen med personlige genstande som sværd og ceremonielle dolke, armbånd, smykker, kister og endda sarkofager.

Arven

Selvom egyptisk kunst er beundret over hele verden, er dens manglende evne til at udvikle og tilpasse sig blevet kritiseret. Kunsthistorikere peger på egyptiske kunstneres manglende evne til at mestre perspektiv, den ubarmhjertige todimensionelle karakter af deres kompositioner og fraværet af følelser i deres figurer, uanset om de viser krigere på slagmarken, konger på deres trone eller hjemlige scener, som værende store mangler i dereskunstnerisk stil.

Men denne kritik tager ikke højde for de kulturelle drivkræfter bag egyptisk kunst, dens omfavnelse af ma'at, konceptet om balance og harmoni og dens tilsigtede evige funktionalitet som en kraft i efterlivet.

For egypterne repræsenterede kunsten guder, herskere, mennesker, episke slag og scener fra hverdagen, som personens ånd havde brug for på sin rejse i efterlivet. En persons navn og billede skulle overleve på jorden, for at sjælen kunne fortsætte sin rejse til sivmarken.

At reflektere over fortiden

Den egyptiske kunst spænder over monumentale statuer, dekorativ personlig udsmykning, kunstfærdigt udskårne templer og levende malede gravkomplekser. I løbet af sin lange historie mistede den egyptiske kunst dog aldrig fokus på sin funktionelle rolle i den egyptiske kultur.

Overskriftsbillede med tilladelse fra: Walters Art Museum [Public domain], via Wikimedia Commons