Historien om gammel egyptisk kunst

Egyptisk kunst har trollbundet publikum i tusenvis av år. Dens anonyme kunstnere påvirket greske og romerske kunstnere, spesielt i å lage skulpturer og friser. Men i kjernen er egyptisk kunst unapologetisk funksjonell, skapt for ytterst praktiske formål, snarere enn estetisk overbærenhet.

Et egyptisk gravmaleri skildret scener fra den avdødes liv, på jorden, og gjorde det mulig for dens ånd å huske det på sin reise gjennom livet etter døden. Scenes of the Field of Reeds hjelper en reisende sjel til å vite hvordan man kommer seg dit. En statue av en guddom grep selve gudens ånd. Rikt dekorerte amuletter beskyttet en mot forbannelser, mens rituelle figurer avverget sinte spøkelser og hevngjerrige ånder.

Mens vi fortsetter å beundre deres kunstneriske visjon og håndverk, så de gamle egypterne aldri på arbeidet deres på denne måten. En statue hadde et bestemt formål. Et kosmetisk skap og et håndspeil tjente et veldig praktisk formål. Selv egyptisk keramikk var bare for å spise av, drikke fra og oppbevare.

Innholdsfortegnelse

Fakta om gammel egyptisk kunst

• Palette of Narmer er det tidligste eksemplet på gammel egyptisk kunst. Den er omtrent 5000 år gammel og viser Narmers seire skåret i relieff
• Det tredje dynastiet introduserte skulptur til det gamle Egypt
• I skulpturen vendte folk alltid fremover
• Sceneri graver og på monumenter ble det skrevet inn i horisontale paneler kalt registre
• Det meste av gammel egyptisk kunst er todimensjonal og mangler perspektiv
• Farger brukt til malerier og billedvev ble malt av mineraler eller laget av planter
• Fra det 4. dynastiet er egyptiske graver dekorert med livlige veggmalerier som viser hverdagen inkludert fuglene, dyrene og plantene som finnes i det naturlige landskapet
• Mesterhåndverker skapte Kong Tutankhamons fenomenale sarkofag som ble formet fra solid gull
• Armana-perioden var den eneste gangen i Egypts lange historie da kunst forsøkte en mer naturalistisk stil
• Figurer i gammel egyptisk kunst ble malt uten følelser, ettersom de gamle egypterne trodde at følelsene var flyktige .

Ma'ats innflytelse på egyptisk kunst

Egypterne hadde en idiosynkratisk følelse av estetisk skjønnhet. Egyptiske hieroglyfer kan skrives fra høyre til venstre, venstre til høyre eller opp til ned eller ned til opp, avhengig av hvordan ens valg påvirket det ferdige verkets sjarm.

Selv om alle kunstverk skal være vakre, kom den kreative motivasjonen fra en praktisk mål: funksjonalitet. Mye av egyptisk kunsts dekorative appell stammer fra begrepet ma'at eller balanse og harmoni og betydningen de gamle egypterne la til symmetri.

Ma'at var ikke bare en universell konstant i hele det egyptiske samfunnet, men denble også antatt å utgjøre selve skaperverket som gikk i arv da gudene innpodet orden i et kaotisk univers. Det resulterende konseptet om dualitet, enten det tok form av gudens gave av lys og mørke, dag og natt, mann og kvinne ble styrt av ma'at.

Hvert egyptisk palass, tempel, hjem og hage, statue og maleri, reflektert balanse og symmetri. Når en obelisk ble reist, ble den alltid hevet med en tvilling, og begge obeliskene ble antatt å dele guddommelige refleksjoner, kastet samtidig, i gudenes land

The Evolution Of Egyptian Art

Egyptisk kunst begynner med bergtegninger og primitive keramikk fra den førdynastiske perioden (ca. 6000-c.3150 f.Kr.). Den mye omtalte Narmer-paletten illustrerer fremskritt i kunstnerisk uttrykk oppnådd under den tidlige dynastiske perioden (ca. 3150-c.2613 f.Kr.). Narmer-paletten (ca. 3150 f.Kr.) er en dobbeltsidig seremoniell siltsteinsplate med to oksehoder plassert øverst på hver side. Disse maktsymbolene overser de innskrevne scenene av kong Narmers forening av Øvre og Nedre Egypt. Komposisjonens intrikate innskrevne figurer som forteller historien demonstrerer rollen til symmetri i egyptisk kunst.

Arkitekten Imhoteps (ca. 2667-2600 f.Kr.) bruk av forseggjorte djed-symboler, lotusblomster og papyrusplantedesign skåret i både høye og lavt relieff på kong Djosers (ca. 2670 fvt.)trinnpyramidekomplekset illustrerer egyptisk kunsts utvikling siden Narmer-paletten.

Gjennom det gamle kongeriket (ca. 2613-2181 fvt) standardiserte innflytelsen fra den regjerende eliten i Memphis effektivt deres figurative kunstformer. Denne kunsten fra det gamle rike fikk en ny blomstring takket være innflytelsen fra senere faraoer som bestilte verk utført i det gamle rikes stil.

Etter det gamle rike og ble erstattet av den første mellomperioden (2181 -2040 f.Kr.), kunstnere nøt fornyet ytringsfrihet og kunstnere hadde frihet til å gi stemme til individuelle og til og med regionale visjoner. Distriktsguvernører begynte å bestille kunst som ga gjenklang med provinsen deres. Større lokal økonomisk rikdom og innflytelse inspirerte lokale kunstnere til å skape kunst i sin egen stil, selv om masseproduksjonen av shabti-dukker som gravgods ironisk nok eroderte den unike stilen som fulgte med de tidligere håndlagde metodene.

Egyptian Art's Apogee

De fleste egyptologer i dag peker på Midtriket (2040-1782 f.Kr.) som representerer høydepunktet for egyptisk kunst og kultur. Byggingen av det store tempelet i Karnak og en forkjærlighet for monumentale statuer tok tak i denne perioden.

Nå erstattet sosialrealisme det gamle kongedømmets idealisme. Skildringer av medlemmer av Egypts lavere klasser i malerier ble også hyppigere enn tidligere. Etter en invasjon avHyksos-folket som overvant store områder av deltaregionen, Egypts andre mellomperiode (ca. 1782 – ca. 1570 f.Kr.) erstattet Midtriket. Kunst fra Theben beholdt i løpet av denne tiden Midtrikets stiltrekk.

Etter at Hyksos-folket ble fordrevet, oppsto Det nye riket (ca. 1570-c.1069 f.Kr.), for å føde noen av de mest storslåtte og mest kjente eksempler på egyptisk kunstnerisk kreativitet. Dette er tiden for Tutankhamons gyldne dødsmaske og gravgods og Nefertitis ikoniske byste.

Denne utbruddet av New Kingdoms kreative fortreffelighet ble delvis stimulert av bruken av hettittiske avanserte metallbearbeidingsteknikker, som strømmet gjennom i produksjonen av fremragende våpen og begravelsesgjenstander.

Egypts kunstneriske kreativitet ble også stimulert av det egyptiske rikets ekspansive engasjement med nabokulturene.

Da gevinstene til Det nye riket uunngåelig avtok, ble den tredje mellomperioden ( ca. 1069–525 f.Kr.) og deretter dens sene periode (525–332 f.v.t.) så ut til å fortsette å forkjempe stilistiske former for kunst fra New Kingdom, samtidig som de ønsket å gjenerobre tidligere herligheter ved å gjenopplive det gamle rikes kunstneriske former.

Egyptiske kunstformer. And Its Rich Symbolism

Utover det majestetiske spennet i egyptisk historie var kunstformene deres like forskjellige som deres inspirasjonskilder, ressursene som ble brukt til å lage dem, og evnen til kunstnerenslånetakerne skal betale for dem. Egypts velstående overklasse bestilte forseggjorte smykker, utsmykket dekorerte sverd- og knivslier, intrikate sløyfer, utsmykkede kosmetiske etuier, krukker og håndspeil. Egyptiske graver, møbler, vogner og til og med hagene deres var fulle av symbolikk og dekorasjon. Hvert eneste design, motiv, bilde og detalj kommuniserte noe til eieren.

Menn vises vanligvis med rødlig hud som representerer deres tradisjonelle utendørslivsstil, mens en lysere nyanse ble tatt i bruk for å skildre kvinners hudtoner etter hvert som de brukte mer tid innendørs. Ulike hudtoner var ikke et utsagn om likhet eller ulikhet, men bare et forsøk på realisme.

Enten varen var en kosmetikkveske eller et sverd, var den designet for å fortelle en historie til observatøren. Til og med en hage fortalte en historie. I hjertet av de fleste hager var et basseng omgitt av blomster, planter og trær. En skjermingsmur omkranset på sin side hagen. Tilgang til hagen fra huset var via en portiko med utsmykkede søyler. Modeller laget av disse hagene for å tjene som gravgods illustrerer den store omsorgen som ble gitt til deres narrative utforming.

Veggmaleri

Maling ble blandet med naturlig forekommende mineraler. Svart kom fra karbon, hvitt fra gips, blått og grønt fra azuritt og malakitt og rødt og gult fra jernoksider. De finmalte mineralene ble blandet med organisk massemateriale til forskjellige konsistenser og deretter blandet med et stoff, eventuelt eggehvite for å gjøre det mulig å feste seg til en overflate. Egyptisk maling har vist seg å være så holdbar at mange eksempler forblir strålende levende etter mer enn 4000 år.

Mens veggene til palasser, hus og hager for det meste ble dekorert med flate todimensjonale malerier, ble relieffer brukt i templer, monumenter og graver. Egypterne brukte to former for relieffer. Høye relieffer der figurene skilte seg ut fra veggen og lave relieffer hvor de dekorative bildene var innskrevet i veggen.

Ved påføring av et relieff ble veggens overflate først glattet over med gips, som deretter ble slipt. Kunstnere brukte miniatyrer av designet overlagt med rutenett for å kartlegge arbeidet sitt. Dette rutenettet ble deretter transponert på veggen. Kunstneren replikerte deretter bildet i riktige proporsjoner ved å bruke miniatyren som mal. Hver scene ble først skissert og deretter skissert med rød maling. Eventuelle korrigeringer ble gjort med svart maling. Når disse ble innlemmet, ble scenen skåret ut og til slutt malt.

Tre-, stein- og metallstatuer ble også lyst malt. Steinarbeid dukket først opp i den tidlige dynastiske perioden og ble foredlet i løpet av århundrene som gikk. En skulptør jobbet fra en enkelt steinblokk med kun trehammer og kobbermeisler. Statuen ville da bli gniddglatt med en klut.

Trestatuer ble skåret ut i seksjoner før de ble festet eller limt sammen. Overlevende statuer av tre er sjeldne, men flere ble bevart og viser fenomenale tekniske ferdigheter.

Metallvare

Gitt kostnadene og kompleksiteten forbundet med støping av metall i eldgamle tider, var metallfigurer og personlige smykker små- skala og støpt av bronse, kobber, gull og noen ganger sølv.

Gull var varig populært for helligdomsfigurer som skildrer gudene, og spesielt for personlig ornamentikk i form av amuletter, pectorals og armbånd ettersom egypteren trodde på gudene deres hadde gyldne skinn. Disse figurene ble laget enten ved støping eller mer vanlig ved å feste tynne plater av bearbeidet metall over en treramme.

Cloisonné Technique

Kister, modellbåter, kosmetikkkister og leker ble produsert i Egypt ved hjelp av cloisonné-teknikken. I cloisonne-arbeid legges tynne metallstrimler først inn på gjenstandens overflate før de brennes i en ovn. Dette bandt dem sammen, og skapte seksjoner, som deretter vanligvis fylles med juveler, halvedelstener eller malte scener.

Cloisonne ble også brukt til å lage pectorals for egyptiske konger, sammen med utsmykkede dekorasjoner av kronene og hodeplaggene deres, sammen med personlige gjenstander som sverd og seremonielle dolker, armbånd, smykker, kister og til og medsarkofager.

Arv

Mens egyptisk kunst er beundret over hele verden, har dens manglende evne til å utvikle seg og tilpasse seg blitt kritisert. Kunsthistorikere peker på egyptiske kunstneres manglende evne til å mestre perspektiv, den nådeløse todimensjonale naturen til komposisjonene deres og fraværet av følelser i figurene deres, enten de viser krigere på slagmarken, konger på tronen eller hjemlige scener som store feil i deres kunstneriske stil. .

Denne kritikken klarer imidlertid ikke å imøtekomme verken de kulturelle driverne som driver egyptisk kunst, dens omfavnelse av ma'at, konseptet balanse og harmoni og dens tiltenkte evige funksjonalitet som en kraft i etterlivet.

For egypterne representerer kunst guder, herskere, mennesker, episke kamper og scener fra hverdagen som personens ånd ville kreve på sin reise i etterlivet. En persons navn og bilde trengte for å overleve på jorden for at sjelen deres kunne fortsette på sin reise til Field of Reeds.

Reflecting On The Past

Egyptisk kunst løp i spekteret av monumentale statuer, dekorative personlig ornamentikk, forseggjorte utskårne templer og livlig malte gravkomplekser. Gjennom sin lange historie mistet imidlertid egyptisk kunst aldri fokus på sin funksjonelle rolle i egyptisk kultur.

Overskriftsbilde med tillatelse: Walters Art Museum [Public domain], via Wikimedia Commons