Geschichte der altägyptischen Kunst

Die ägyptische Kunst zieht das Publikum seit Tausenden von Jahren in ihren Bann. Ihre anonymen Künstler beeinflussten die griechischen und römischen Künstler, insbesondere bei der Schaffung von Skulpturen und Friesen. In ihrem Kern ist die ägyptische Kunst jedoch eindeutig funktional, sie wurde für eminent praktische Zwecke geschaffen und nicht für den ästhetischen Genuss.

Eine ägyptische Grabmalerei stellte Szenen aus dem irdischen Leben des Verstorbenen dar, damit sich sein Geist auf seiner Reise durch das Jenseits an ihn erinnern konnte. Szenen aus dem Schilfrohr helfen einer reisenden Seele, den Weg dorthin zu finden. Eine Götterstatue hielt den Geist des Gottes fest. Reich verzierte Amulette schützten vor Flüchen, während rituelle Figuren böse Geister und rachsüchtige Menschen abwehrten.Geister.

Während wir nach wie vor zu Recht ihre künstlerische Vision und ihr handwerkliches Können bewundern, haben die alten Ägypter ihre Arbeit nie auf diese Weise betrachtet. Eine Statue hatte einen bestimmten Zweck. Ein Kosmetikschrank und ein Handspiegel dienten einem sehr praktischen Zweck. Selbst die ägyptische Keramik diente lediglich zum Essen, Trinken und zur Aufbewahrung.

Inhaltsübersicht

Fakten über altägyptische Kunst

• Die Palette des Narmer ist das früheste Beispiel altägyptischer Kunst, etwa 5 000 Jahre alt und zeigt die Siege des Narmer in Reliefs
• Die 3. Dynastie führte die Bildhauerei im alten Ägypten ein.
• In der Bildhauerei blicken die Menschen immer nach vorne
• Szenen in Gräbern und auf Denkmälern wurden in horizontalen Tafeln, den so genannten Registern, festgehalten.
• Die meisten altägyptischen Kunstwerke sind zweidimensional und haben keine Perspektive.
• Die für Gemälde und Wandteppiche verwendeten Farben wurden aus Mineralien gemahlen oder aus Pflanzen hergestellt
• Ab der 4. Dynastie sind ägyptische Gräber mit lebhaften Wandmalereien verziert, die das tägliche Leben, einschließlich der Vögel, Tiere und Pflanzen in der natürlichen Landschaft, zeigen.
• Meisterhandwerker schufen den phänomenalen Sarkophag von König Tutanchamun, der aus massivem Gold gefertigt wurde
• Die Armana-Periode war die einzige Zeit in der langen Geschichte Ägyptens, in der die Kunst einen eher naturalistischen Stil anstrebte.
• Die Figuren in der altägyptischen Kunst wurden ohne Emotionen gemalt, da die alten Ägypter glaubten, Emotionen seien flüchtig.

Der Einfluss von Ma'at auf die ägyptische Kunst

Die Ägypter hatten einen eigenwilligen Sinn für ästhetische Schönheit: Ägyptische Hieroglyphen konnten von rechts nach links, von links nach rechts, von oben nach unten oder von unten nach oben geschrieben werden, je nachdem, wie die eigene Wahl den Charme des fertigen Werks beeinflusste.

Während alle Kunstwerke schön sein sollten, entsprang die kreative Motivation einem praktischen Ziel: der Funktionalität. Ein Großteil der dekorativen Anziehungskraft der ägyptischen Kunst stammt aus dem Konzept der ma'at oder des Gleichgewichts und der Harmonie und der Bedeutung, die die alten Ägypter der Symmetrie beimaßen.

Ma'at war nicht nur eine universelle Konstante in der gesamten ägyptischen Gesellschaft, sondern man glaubte auch, dass es das eigentliche Gewebe der Schöpfung umfasste, das weitergegeben wurde, als die Götter einem chaotischen Universum Ordnung einflößten. Das sich daraus ergebende Konzept der Dualität, ob es nun die Form der göttlichen Gabe von Licht und Dunkelheit, Tag und Nacht, männlich und weiblich annahm, wurde von Ma'at bestimmt.

Jeder ägyptische Palast, jeder Tempel, jedes Haus und jeder Garten, jede Statue und jedes Gemälde spiegelte Ausgewogenheit und Symmetrie wider. Wenn ein Obelisk errichtet wurde, wurde er immer zusammen mit einem Zwilling aufgerichtet, und man glaubte, dass beide Obelisken göttliche Spiegelungen teilten, die gleichzeitig in das Land der Götter geworfen wurden

Die Entwicklung der ägyptischen Kunst

Die ägyptische Kunst beginnt mit den Felszeichnungen und der primitiven Keramik der vordynastischen Periode (ca. 6000-c.3150 v. Chr.). Die vielgerühmte Narmer-Palette veranschaulicht die Fortschritte im künstlerischen Ausdruck, die während der frühdynastischen Periode (ca. 3150-c.2613 v. Chr.) erreicht wurden. Die Narmer-Palette (ca. 3150 v. Chr.) ist eine doppelseitige zeremonielle Platte aus Schluffstein mit zwei Stierköpfen, die oben auf jeder Seite angeordnet sind.Diese Machtsymbole überblicken die eingravierten Szenen der Vereinigung von Ober- und Unterägypten durch König Narmer. Die kunstvoll eingravierten Figuren der Komposition, die die Geschichte erzählen, zeigen die Rolle der Symmetrie in der ägyptischen Kunst.

Die Verwendung von kunstvollen Djed-Symbolen, Lotusblumen und Papyruspflanzen durch den Architekten Imhotep (ca. 2667-2600 v. Chr.), die sowohl im Hoch- als auch im Tiefrelief in den Stufenpyramidenkomplex von König Djoser (ca. 2670 v. Chr.) eingemeißelt sind, veranschaulicht die Entwicklung der ägyptischen Kunst seit der Narmer-Palette.

Während des Alten Reichs (ca. 2613-2181 v. Chr.) führte der Einfluss der herrschenden Elite in Memphis zu einer Vereinheitlichung der figurativen Kunstformen, die dank des Einflusses späterer Pharaonen, die Werke im Stil des Alten Reichs in Auftrag gaben, eine zweite Blüte erlebte.

Nach dem Alten Reich, das von der Ersten Zwischenzeit (2181-2040 v. Chr.) abgelöst wurde, genossen die Künstler eine neue Freiheit der Meinungsäußerung und konnten individuelle und sogar regionale Visionen zum Ausdruck bringen. Die Bezirksgouverneure begannen, Kunstwerke in Auftrag zu geben, die mit ihrer Provinz im Einklang standen. Der größere wirtschaftliche Reichtum und Einfluss auf lokaler Ebene inspirierte lokale Künstler dazu, Kunst in ihrem eigenen Stil zu schaffen,obwohl ironischerweise die Massenproduktion von Shabti-Puppen als Grabbeigaben den einzigartigen Stil, der mit den früheren handgefertigten Methoden einherging, untergrub.

Der Höhepunkt der ägyptischen Kunst

Die meisten Ägyptologen bezeichnen heute das Mittlere Reich (2040-1782 v. Chr.) als den Höhepunkt der ägyptischen Kunst und Kultur, in dem der Bau des großen Tempels von Karnak und die Vorliebe für monumentale Statuen Einzug hielten.

An die Stelle des Idealismus des Alten Reiches trat nun ein sozialer Realismus, und auch die Angehörigen der unteren Schichten Ägyptens wurden in der Malerei häufiger dargestellt als zuvor. Nach der Invasion des Hyksos-Volkes, das weite Teile der Deltaregion überrannte, löste die Zweite Zwischenzeit (ca. 1782 - ca. 1570 v. Chr.) das Mittlere Reich ab. Die Kunst aus Theben aus dieser Zeit behielt den Stil des Mittleren Reichesstilistische Merkmale.

Nach der Vertreibung des Hyksos-Volkes entstand das Neue Reich (ca. 1570 bis 1069 v. Chr.), das einige der prächtigsten und berühmtesten Beispiele ägyptischer Kunst hervorgebracht hat: die goldene Totenmaske und die Grabbeigaben des Tutanchamun sowie die ikonische Büste der Nofretete.

Dieser Ausbruch kreativer Exzellenz im Neuen Reich wurde zum Teil durch die Übernahme fortschrittlicher hethitischer Metallverarbeitungstechniken angeregt, die in die Herstellung hervorragender Waffen und Grabbeigaben einflossen.

Die künstlerische Kreativität Ägyptens wurde auch durch die weitreichenden Beziehungen des ägyptischen Reiches zu den benachbarten Kulturen angeregt.

Als die Errungenschaften des Neuen Reiches unweigerlich zurückgingen, bemühten sich die Dritte Zwischenzeit (ca. 1069-525 v. Chr.) und die Spätzeit (525-332 v. Chr.) darum, die stilistischen Formen der Kunst des Neuen Reiches weiterhin zu fördern und gleichzeitig durch die Wiederbelebung der künstlerischen Formen des Alten Reiches an den vergangenen Ruhm anzuknüpfen.

Ägyptische Kunstformen und ihre reiche Symbolik

Im Laufe der ägyptischen Geschichte waren die Kunstformen so vielfältig wie ihre Inspirationsquellen, die Ressourcen, die zu ihrer Herstellung verwendet wurden, und die Möglichkeiten der Auftraggeber, sie zu bezahlen. Die wohlhabende ägyptische Oberschicht gab aufwändige Schmuckstücke, kunstvoll verzierte Schwert- und Messerscheiden, komplizierte Bogenetuis, verzierte Kosmetikkoffer, Krüge und Handspiegel in Auftrag. ÄgyptischGräber, Möbel, Wagen und sogar ihre Gärten waren voller Symbolik und Dekoration. Jedes einzelne Design, Motiv, Bild und Detail vermittelte seinem Besitzer etwas.

Männer haben in der Regel eine rötliche Hautfarbe, die ihren traditionellen Lebensstil im Freien widerspiegelt, während die Hautfarbe der Frauen heller ist, da sie mehr Zeit in Innenräumen verbringen. Die unterschiedlichen Hauttöne waren keine Aussage über Gleichheit oder Ungleichheit, sondern einfach ein Versuch, die Realität darzustellen.

Ob es sich um einen Kosmetikkoffer oder ein Schwert handelte, es sollte dem Betrachter eine Geschichte erzählen. Auch ein Garten erzählte eine Geschichte. Im Herzen der meisten Gärten befand sich ein Teich, der von Blumen, Pflanzen und Bäumen umgeben war. Eine schützende Mauer umgab den Garten. Der Zugang zum Garten erfolgte vom Haus aus über einen Säulengang. Modelle dieser Gärten, die als Grabbeigaben dienten, illustrieren diegroße Sorgfalt bei der Gestaltung ihrer Erzählungen.

Wandmalerei

Die Farbe wurde aus natürlich vorkommenden Mineralien gemischt. Schwarz kam von Kohlenstoff, Weiß von Gips, Blau und Grün von Azurit und Malachit und Rot und Gelb von Eisenoxiden. Die fein gemahlenen Mineralien wurden mit zerkleinertem organischem Material zu verschiedenen Konsistenzen vermischt und dann mit einer Substanz, möglicherweise Eiweiß, vermengt, damit sie auf einer Oberfläche haften konnte. Ägyptische Farbe hat sich als so haltbar erwiesendass viele Exemplare auch nach mehr als 4.000 Jahren noch brillant und lebendig sind.

Während die Wände von Palästen, Wohnhäusern und Gärten meist mit flachen, zweidimensionalen Malereien verziert waren, wurden in Tempeln, Denkmälern und Gräbern Reliefs verwendet. Die Ägypter verwendeten zwei Arten von Reliefs: Hochreliefs, bei denen die Figuren aus der Wand herausragen, und Flachreliefs, bei denen die dekorativen Bilder in die Wand eingeschrieben sind.

Beim Anbringen eines Reliefs wurde die Wandoberfläche zunächst mit Gips geglättet und dann abgeschliffen. Die Künstler verwendeten Miniaturen des Entwurfs, die mit Rasterlinien überlagert waren, um ihre Arbeit zu planen. Dieses Raster wurde dann auf die Wand übertragen. Der Künstler replizierte dann das Bild in den richtigen Proportionen, indem er die Miniatur als Vorlage verwendete. Jede Szene wurde zunächst skizziert und dann mit roter Farbe umrissen.Nachdem die Korrekturen mit schwarzer Farbe vorgenommen worden waren, wurde die Szene geschnitzt und schließlich bemalt.

Holz-, Stein- und Metallstatuen wurden auch bunt bemalt. Steinarbeiten kamen erstmals in der frühdynastischen Zeit auf und wurden im Laufe der Jahrhunderte verfeinert. Ein Bildhauer arbeitete von einem einzigen Steinblock aus, wobei er nur einen Holzhammer und Kupfermeißel benutzte. Die Statue wurde dann mit einem Tuch glatt gerieben.

Holzstatuen wurden in Abschnitten geschnitzt, bevor sie zusammengesteckt oder geklebt wurden. Überlebende Statuen aus Holz sind selten, aber einige sind erhalten geblieben und zeigen phänomenale technische Fähigkeiten.

Metallwaren

Angesichts der Kosten und der Komplexität des Metallgusses in der Antike wurden Metallfiguren und persönlicher Schmuck in kleinem Maßstab aus Bronze, Kupfer, Gold und gelegentlich auch Silber gegossen.

Gold war dauerhaft beliebt für Schreinfiguren, die die Götter darstellten, und vor allem für persönlichen Schmuck in Form von Amuletten, Pektoralen und Armbändern, da die Ägypter glaubten, dass ihre Götter goldene Häute hatten. Diese Figuren wurden entweder durch Gießen oder, was häufiger der Fall war, durch das Aufbringen dünner Bleche aus bearbeitetem Metall auf einen Holzrahmen hergestellt.

Cloisonné-Technik

Särge, Modellboote, Kosmetiktruhen und Spielzeug wurden in Ägypten in der Cloisonné-Technik hergestellt. Bei der Cloisonné-Technik werden zunächst dünne Metallstreifen auf die Oberfläche des Gegenstands aufgelegt und dann in einem Ofen gebrannt. Dadurch werden sie miteinander verbunden, so dass Abschnitte entstehen, die anschließend meist mit Juwelen, Halbedelsteinen oder gemalten Szenen gefüllt werden.

Cloisonné wurde auch für die Herstellung von Brustpanzern der ägyptischen Könige verwendet, ebenso wie für die Verzierung ihrer Kronen und Kopfbedeckungen sowie für persönliche Gegenstände wie Schwerter und Zeremonialdolche, Armbänder, Schmuck, Truhen und sogar Sarkophage.

Erbe

Während die ägyptische Kunst weltweit bewundert wird, wurde ihre Unfähigkeit, sich weiterzuentwickeln und anzupassen, kritisiert. Kunsthistoriker verweisen auf die Unfähigkeit der ägyptischen Künstler, die Perspektive zu beherrschen, auf die unerbittliche Zweidimensionalität ihrer Kompositionen und das Fehlen von Emotionen in ihren Figuren, ob sie nun Krieger auf dem Schlachtfeld, Könige auf dem Thron oder häusliche Szenen zeigen, als wesentliche Mängel ihrerkünstlerischer Stil.

Diese Kritik wird jedoch weder den kulturellen Triebkräften gerecht, die die ägyptische Kunst antreiben, noch ihrem Verständnis von ma'at, dem Konzept von Gleichgewicht und Harmonie, und ihrer beabsichtigten ewigen Funktion als Kraft im Jenseits.

Für die Ägypter stellte die Kunst Götter, Herrscher, Menschen, epische Schlachten und Szenen des täglichen Lebens dar, die der Geist einer Person auf ihrer Reise ins Jenseits benötigte. Der Name und das Bild einer Person mussten auf der Erde überleben, damit ihre Seele ihre Reise zum Schilfrohrfeld fortsetzen konnte.

Nachdenken über die Vergangenheit

Die ägyptische Kunst reichte von monumentalen Statuen über dekorative persönliche Ornamente bis hin zu kunstvoll geschnitzten Tempeln und lebhaft bemalten Grabanlagen. Während ihrer langen Geschichte verlor die ägyptische Kunst jedoch nie ihre funktionale Rolle in der ägyptischen Kultur aus den Augen.

Kopfzeilenbild mit freundlicher Genehmigung: Walters Art Museum [Public domain], via Wikimedia Commons